Vamosadejarnosdehostiasyapensarenimágenes.
 

Con una estética algo renovada, P&P sugiere un planteamiento sofisticado y coquetea con una nueva ola photoshopista, pero sin dejar de lado las técnicas clásicas. El pincel de toda la vida. Pese a la insistencia de artistas de proyección como Miki Miqueo, esta propuesta deja claro nuestro lema, “menos es más”. Se rebela así contra la corrección y las férreas normas del gigante de Adobe para demostrar que un buen lápiz con gusto o un sencillo corta y pega llegan a eclipsar a la más compleja tecnología por capas, dando lugar a una obra llena de matices y formas.
 
De esta manera se adentra en un marco de denuncia instando al público a formar parte de un nuevo experimento social. Consciente del mundo en el que vivimos en el que muchos hablan pero pocos observan, nos insta a olvidarnos de las palabras y a sumergirnos en un universo de estímulos y plena comunicación visual.

La autora niega cualquier tipo de vinculación con su obra…¡Coño! ¡Pero si es sonámbula!

 Pasando por un estado de reafirmación en su ostracismo donostiarra, la originaria de Doneztebe se contagió del síndrome esparcido por la misteriosa La Drogas cuando respiraban el mismo incienso y cantaban a duo Fue sin quereeeeeerrrrrr es caprichoso el azarrrrrr….

Desde entonces sueña con Ovejas, Pottokas y Bimbas…digo Bambis.

Pronto, más con P&P.

Como cambiar la historia del cine cuesta, y más aún, contarle a tus compis de blog cómo se hace y cómo se relacionan conceptos como: magdalenas alucinógenas-niño-bici-cesta-e.t borracho, os dejo con un video guapi guapi, bueno, al menos distrae piticlis.

http://video.google.es/videosearch?q=la+impura+realitat&emb=0# (buscad minuto 15 más o menos).

Es un cometa?Una paloma gorda? El paraguas de Mary Poppins con subidón de popper?

Vamos a cambiar la historia del cine. Érase una vez, todo ocurrió en San Sebastián, un niño tajó a la luna con un pedal de su bicicleta, con un marciano en la cesta de las madalenas que le llevaba por la mala senda del camino de la fuerza. Al tiempo una niñera repartía jarabes alucinógenos entre unos niños, uno de ellos gritaba chocalateeeeee y te quiero Gooooordi…

Continuará…

La tradición literaria japonesa. El carácter contemplativo. El honor. Las costumbres jerárquicas. El asombro ante la naturaleza. La meditación. O el realismo pictórico. Todo esto consiguen encerrar en los escasos metros cuadrados de loneta. Se trata de sentir lo que se ve, ¿y cómo se hace? No hay una receta concreta, sólo una tendencia que es posible adivinar si se desconoce, e identificar si se sabe qué buscar.

En el cine mudo predomina el simbolismo tan típico de la tradición literaria y teatral japonesa. En un cine apenas corrompido por influencias extranjeras destaca el primer plano. Esto es así en consonancia con el teatro japonés, más entregado a la expresividad del rostro que a la gesticulación.

En el escenario de la Primera Guerra Mundial intelectuales y dramaturgos apuestan por occidentalizar el cine; adoptan la narrativa estructural hollywoodiense: planteamiento, nudo, clímax y desenlace. El gusto japonés, no obstante, no se erradica y se observan curiosas tendencias estandarte del cine nipón. Destacan:

El ritmo lento, ayudado por el uso del plano secuencia. El uso del plano secuencia implica una apuesta por el realismo cinematográfico pues permite captar más datos sobre la realidad en la que se encaja la ficción, y tiene, a su vez, muchísimas consecuencias. Ejemplo de ello es la preponderancia del juego en el movimiento entre los actores y los objetos. Mejor aprovechamiento de la profundidad de campo, que a su vez permite una mejor observación de las diagonales tan típicas de las litografías japonesas. Meticuloso estudio de la iluminación, donde tiene que destacar la sutileza de las decoraciones artísticas niponas.

Por otro lado se observa un acusado uso del contrapicado. Otra vez es la cultura nipona la responsable de este curioso aspecto, y obedece a la tradición de sentarse en el suelo. De esta forma los directores favorecen la visión de los espectadores.

Observen también, sobre todo con Ozu, la tendencia a introducir espacios vacíos antes y después de la acción. Esto es, antes de que una acción tenga lugar, se muestra el sitio en vacío. De pronto los personajes entran en cuadro, tiene lugar la acción y se retiran dejando, otra vez, el espacio vacío antes de cambiar de toma.

También es posible encontrar una sutil forma de imprimir ritmo a la narración a través del sonido. El sonido, no la música, sino el habla, los golpes, el sonido en general, lleva un compás ritmado que imprime la sensación del paso del tiempo. Otra vez destaca la poética de la cultura insular.

A pesar de todos los cambios que el tiempo ha insuflado en las tendencias niponas nada como los radicales cortes de los movimientos contraculturales. Pero, ¡cuidado! El ánimo por cambiar todo lo preestablecido no consigue dejar de lado la tradición, pues precisamente en ella se basa para corromper lo preestablecido. Así, la nüberu bagü, nueva ola japonesa, trata de extirpar todos los fundamentos del cine japonés exhibiendo su contrario.

Aquí, bruscos movimientos de cámara. Rápido fluir de los acontecimientos. Desfigurados bordes a la moralidad. Oshima.

En fin, todo esto podremos ver en Japón en Negro. ¡Pedazo de oportunidad!

¡Quítate el olor a naftalina! CUBÍCULO y PALOMITAS!!!! Nos sentamos en el suelo y nos atiborramos de comida porque el cine es la mofa y así es como se cuenta.

Cuando el horror se topa de frente con el rostro de los niños, éstos lo transforman aportando una dimensión invisible a los ojos de los adultos y así nos lo hace ver Baktay. Buda explotó por vergüenza nos sumerge en un universo de dureza y ternura a partes iguales narrado desde el punto de vista más inocente y rotundamente verdadero a la vez.

El drama de una niña que lucha por aprender más allá de lo impuesto en un lugar en el que saber demasiado es motivo de castigo no es más que una metáfora de un conflicto a escala. Y esa fuerza resignada es la que nos hace unirnos a sus deseos por conseguir el ansiado cuaderno. Un cuaderno que se puede convertir en avión que sea pisoteado por ignorantes o en barco que la guíe para volver a ser papel donde escribir las historias bonitas que Baktay quiere aprender. Portador de las letras que recitan, acompaña en la búsqueda a la pequeña de mofletes sonrojados y a su amigo Abbas que, lleno cubierto de barro seco y con cierto aspecto de la dinamitada escultura, escapa de sus verdugos reivindicando el abecedario.

Hana Makhmalbaf nos presenta un film sin artificios, pero lleno de simbolismos, belleza y sencillez, una frescura quizá reflejada por su corta edad. La cámara acompaña a la protagonista logrando la belleza en cada plano y absorbiendo sus expresiones. Todo esto sumado a una fotografía natural en la que los ropajes de la niña marcan la constante de color contrastando con la aridez de los paisajes.

Hija del reconocido director Mohsen Makhmalbaf y perteneciente a una familia de cineastas, Hana ha mamado el buen cine desde pequeña y así lo demuestra. Tenemos ante nosotros una dura crítica a los problemas de nuestro tiempo que despierta los ojos del espectador y lo remueve en su butaca. Baktay no quiere jugar. Porque los juegos de niños atisban el futuro. Y es que Buda quizá no explotó por vergüenza, sino para ser libre.

Del director Paul Haggis, autor de la galardonada Crash, En el Valle de Elah muestra los problemas a los que un ex militar y su mujer (Tommy Lee Jones y Susan Sarandon) tienen que enfrentarse para investigar la desaparición de su hijo recién llegado de Iraq, a pesar de contar con la ayuda de una oficial de policía (Charlize Theron), continuamente infravalorada y humillada por ser mujer.

A lo largo de la película pueden observarse signos de una marcada educación militar en el protagonista, que termina viéndose como culpable de la muerte de su hijo por ser quien le obliga a alistarse para servir a su país y hacer de él un buen hombre. Un Tommy Lee Jones más distante de los papeles a los que nos tiene acostumbrados, no tan frío, mayor y más humano, pero siempre astuto y desconfiado de quienes le rodean.  

Desde un punto de vista político, gran parte de las imágenes y reacciones de los compañeros del desaparecido Mike, reflejan una evidente crítica del director al sistema militar americano: absolutamente machista y que, entendemos, protege a sus soldados ante múltiples barbaridades, manipula y oculta. Sin embargo, la esperanza de hacer justicia y la idea de que al final vence “el bien”

se mantienen a lo largo de todo el film. 

Sorpresa, rabia, vergüenza, lástima o aturdimiento son algunas de las infinitas teclas que el danés ha sabido tocar en el rodaje de sus escenas. El hilo conductor es  el argumento: un grupo de jóvenes decide encararse con la sociedad, símbolo de la rutinaria naturaleza humana, a través de la utilización de una ficticia enfermedad mental. El resultado es sorprendente. La improvisación actoral que surge a través de esta premisa estalla en las muchas ocasiones en las que Trier propone este infame juego del ridículo.

Primera película de su trilogía del corazón de oro, la completan sus películas más laureadas, Bailando en la oscuridad y Rompiendo las olas, cumple con su común denominador, la exposición de un corazón noble a la crueldad de la sociedad anónima. Los idiotas responde con menor intensidad a esta vejación de la protagonista, Karen, que el resto de la mencionada trilogía, pero no pierde fuerza por ello. Las escenas en las que este peculiar grupo sectario trata de sacar su “idiota interior” son de una fuerza abrumadora que te atrapa y te encandila. No es sencillo encontrar un discurso tan potente en las salas.

Atención a las consecuencias del manifiesto Dogma. Las 10 cláusulas delimitan el riguroso perfil de las que tienen este diploma y afectan a la técnica cinematográfica contundente. Es imposible ver esta película sin que salten las supuestas imperfecciones, son buscadas. El constante traqueteo de la cámara producto de su exclusiva utilización al hombro. El confuso montaje que no es sino la consecuencia de la ausencia de un guión, o la prohibición de la iluminación artificial marcan definitivamente la película. No os dejéis engañar por estos efectos de la técnica, o su ausencia; la empatía que el danés logra con el espectador permite obviarlo.